Le banjo

Ceux qu'on ne peut omettre de mentionner: la folk music

Du côté de la folk-music c'est bien entendu la famille Seeger qui tient le haut du pavé. Le père, comme Art Satheley et Ralph Peer avant lui, parcourt le Sud Est avec sa famille, parallèlement aux Lomax père et fils, et enregistre un maximum de songsters grâce à son studio mobile, ce qui lui permet, en plus de son travail ethno-musicologique, de faire découvrir de vrais talents qui seraient restés méconnus sans lui. Cette somme d'enegistrements est archivée et éditée par la Bibliothèque du Congrès et Folkways créée en 1940 par Moses Asch.

Du coté des Seeger ce sont les enfants qui, par atavisme, ont pratiqué le banjo, appris au contact des nombreux musiciens qu'ils rencontraient. Peggy Seeger (honneur aux dames!) la cadette de la famille a surtout écrit pour le banjo au Royaume Uni après sa rencontre avec le musicien Ecossais Ewan McCall qui pratiquait les ballades traditionnelles de son pays.

Mike Seeger a fondé dans les années 60 les New Lost City Ramblers qui furent un des très bons groupes de folk revival de cette décennie. Le plus connu des Seeger est Pete, demi-frère de Peggy et Mike qui était déjà adolescent à leur naissance. Tout petit il apprend le banjo-ténor et l'ukulele mais le flash survient lors du festival de danses et musiques d'Asheville organisé par Lamar Bascom Lunsford, banjoiste éclairé qui lui donne d'ailleurs quelques conseils à propos de l'instrument.

Pete Seeger interrompt ses études à Harvard au milieu des années 30 et va mener une existence de vagabond (hobo), dessinant et vendant ses peintures pour survivre. Il va surtout, au contact des paysans, des montagnards et des travailleurs se forger un répertoire extrêmement vaste de chants de travail, de ballades, blues, spirituals, berceuses, bref tout ce qui était chanté et dansé.

Dans les années 40 il publie une méthode de banjo, joue dans des concerts dont la moitié des cachets est reversée à des associations anti-ségrégationnistes ainsi que la totalité des royalties de son interprétation de "We Shall Overcome". Il est également dans les années 40 (de 40 à 48) fondateur du groupe Almanac Singers avec Jesse Lomax, Lee Hays, Sis Cunningham et Woody Guthrie.

Après la dissolution du groupe, il fonde avec Lee Hays les Weavers qui durent jusqu'en 1962 et qui commettront quelques tubes comme "If i Had a Hammer" (Claude François leur dit merci!).

Pete Seeger, comme les groupes précités, est sur la liste rouge du trop célèbre sénateur McCarthy et sera condamné en 1961 à un an de prison pour activités anti-américaines, peine qui sera annulée, qui le bannira néanmoins des médias, networks télé et radio. Trois biographies lui sont consacrées de son vivant chose unique pour un banjoiste.

Conclusion:

"N'importe quel imbécile peut se révéler compliqué, tandis qu'il faut du génie pour atteindre à la simplicité" Pete Seeger.

Si je n'ai pas trop poussé et détaillé les différences et subtilités techniques que le profane (que je suis) a bien du mal à discerner c'est parce qu'il vaut mieux, pour ceux qui veulent pousser plus loin ainsi que pour les pratiquants de l'instrument, s'adonner à la lecture de vrais livres sur le sujet. Il existe d'assez nombreux écrits qui sont bien plus précis, avec beaucoup de pages et des images dedans.

En effet, le banjo, de par son origine artisanale DIY (do it yourself) a donné lieu à beaucoup de dérivations telles que la banjeaurine, la giraffe-banjo, la mandoline banjo et tous les mariages possibles avec des instruments à cordes.

Ce précis d'outillage a été confectionné avec la lecture en long, en large, en travers, en diagonale et même à l'envers du l'excellent livre de Nicolas Bardinet, banjoiste émérite et auteur de "une Histoire du Banjo" paru aux éditions Outre Mesure.

Concernant la discographie, quelques anthologies parues chez Frémeaux et Associés valent vraiment le coup en particulier "Folksongs, Old Country Music 1926-1944" et aussi "Banjo, an American Five Strings History 1901-1956". Côté bluegrass, attaquez directement avec la B.O. du film "Delivrance" et procurez vous l'incontournable "Will the Circle Be Unbroken" du Nitty Gritty Dirt Band pour commencer. Bill Monroe et les Bluegrass Boys sont aussi sortis chez Frémeaux et Associés. A noter que quelques groupes actuels un peu partout dans le monde perpétuent cette musique, du Japon à la Russie en passant par la Suède (les Rockridge Brothers).

Bref, soyez curieux, bougez vous, n'attendez pas qu'on vous ramène systématiquement la gamelle devant la gueule car le jour où elle sera merdeuse...

Le banjo

Ceux qu'on ne peut pas omettre de mentionner: le banjo et le jazz.

Il y a évidemment un certain nombre de banjoistes renommés dans le jazz et ce qu'on appelle la "folk music" (bien que depuis les origines il est question de la musique du peuple). En ce qui concerne le jazz naissant, tordant une fois de plus le cou à une idée reçue, si des enregistrements de banjo fin XIXème étaient "protojazz" (ragtime) c'était comme cité plus haut pour une question de technique d'enregistrement. Et tous les orchestres de jazz naissant, du moins une grande majorité, n'auront aucun banjo dans leur line-up, y compris les groupes que l'on appelle trop facilement Dixieland.

Il faut attendre les années 1920 pour voit apparaitre l'instrument, encore une fois plus pour une question d'audibilité (concerts en plein air, enregistrements) que pour un souci de cohérence artistique, la guitare ou la contrebasse se chargeant de la section rythmique des orchestres. Mais l'instrument utilisé pour ceux-ci est délesté de sa 5ème corde car il ne sert qu'à la rythmique. Et, toujours pour des questions de racisme, les jazzmen noirs hésitent ou délaissent le banjo encore connoté trop négativement car les ménestrels et les medicine shows sont encore un peu vivaces dans ces années-là.

Ce sont surtout des guitaristes qui utilisent également le banjo pour quelques sessions ou certains concerts. Johnny St Cyr avec le Hot Five de Louis Armstrong, Lorenzo Staulz avec Buddy Bolden et Kid Ory, Narcisse "Buddy" Christian avec pratiquement toutes les chanteuses de l'époque 1920-1930 dont Bessie Smith et Alberta Hunter sans oublier Bud Scott avec King Oliver de 1923 à 1926.

Elmer Snowden, né en 1900, apprend à jouer de la mandoline puis de la guitare avant de se mettre au banjo-mandoline pour jouer dans la rue dès l'age de 12 ans. A 21 ans il fonde son propre groupe, les Washingtonians, qui verront passer dans leurs rangs Duke Ellington (qui remplace Fats Waller "défaillant") qui en profitera d'ailleurs pour le virer plus tard et prendre la direction de l'orchestre. Ses autres groupes mettront le pied à l'étrier d'autres débutants tels que Benny Carter, Jimmie Lunceford, Chick Webb, Count Basie et Rex Stewart.

Eddie Condon est aussi blanc qu'Elmer Snowden est noir. Natif du sud de Chicago, il apprend l'ukulele, très en vogue à l'époque, puis le banjo. Il rencontre Bix Beiderbecke en 1924 puis jouera plus tard avec Red Nichols, Mezz Mezzrow en 1928, Louis Armstrong et Fats Waller en 1929, Bud Freeman, Roy Eldridge et Bunny Berigan au début des années 30 tout en jouant en concert et en enregistrant avec ses propres combos montés por l'occasion. Eddie Condon, à l'instar des Benny Goodman et autres Glenn Miller (quoique! concernant ce dernier...), sera un fervent défenseur de la mixité dans les orchestres, chose assez rare et couillue pour l'époque.

Citons aussi Fred Guy, sa carrière particulière dans un seul orchestre, celui de Duke Ellington où il jouera du banjo et de la guitare pendant 22 ans. Et tant qu'on y est citons également, plus pour faire mousser le banjo qu'autre chose, Django Reinhardt, Jean Baptiste de son prénom qui apprit les bases de la guitare en copiant d'oreille les guitaristes de sa tribu avec son banjo-guitare car sa mère n'avait pas assez d'argent pour lui acheter une vraie guitare.

Le Banjo

Virtuoses et novateurs

Dans la deuxième partie du XIXème siècle apparaissent donc les premières méthodes d'utilisation du banjo sachant qu'à l'époque l'apprentissage musical se faisait de bouche à oreille pour l'énorme majorité des gens de basse condition, illettrés dans leur grande majorité.

Le progrès en matière de communications (voies ferrées, télégraphe à partir de 1864, phonographe vers les années 1880) aide grandement à la propagation de spectacles en tous genres. Si on ne possède que peu de témoignages concernant la technique utilisée du temps des esclaves, le perfectionnement du jeu de banjo, dû au fait qu'il soit passé dans les mains des blancs, nordistes de surcroît, sera à la fin du XIXème l'occasion d'assister à l'émergence de véritables virtuoses de l'instrument mais dont les thèmes et mélodies vont paraitre compassés. Ces artistes qui délaissaient " l'entertainment" pour aspirer à une reconnaissance musicale "classique" ont laissé quelques traces et ont aidé à populariser la technique dite de "fingerpicking" déjà utilisée pour la guitare: Frank B. Converse, Edmund Clark,Vess L. Ossman qui enregistre pour Berliner "Ragtime Melody" et "Hot Foot Sue" ainsi que "Darkie's Tickle" en 1896, "Little Pickaninnies" en 1899 pour Edison sur cylindre.

Fred Van Epps enregistre pour Edison dès 1897, transcrivant des partitions pour piano sur son banjo dont le spectre sonore correspond mieux aux enregistreurs de l'époque. Van Epps peut se targuer d'avoir enregistré sa musique sur tous les différents supports de l'histoire du phonographe, du cylindre d'Edison fin XIXe aux microsillons 33t è la fin des années 5O.

Dans les années 1890 Alfred A. Farland interprète aux banjo les sonates et partitas pour violon de Bach ou encore le concerto pour violon de Mendelssohn.
Le banjo en cette fin de XIXe siècle croise la route du jazz naissant par l'intermédiaire du ragtime. Scott Joplin dont la maman esclave jouait du banjo compose Le ragtime entre tous et aussi le plus connu "Maple Leaf Ragtime" en 1897, la même année que l' "Alabama Ragtime" écrit pour banjo.
Mais le piano sonne mal dans les cornets d'enregistrements de l'époque et on préfère les ragtimes joués par des military bands ( assemblage d'instruments propres aux fanfares militaires) car ils rendent mieux sur disque. Cela fait également les choux gras de Van Epps, Vess Ossman et autres gratteurs de banjo.
D'autres influences vont agir sur la musique codifiée telle que nous la connaissons car pour les artistes précités dans ce chapitre il s'agissait principalement, géographiquement parlant, de grosses cités urbaines du Nord-Est des Etats-Unis.
Si le creuset musical des des Appalaches est reconnu comme tel aujourd'hui, c'est grâce à ces immigrants débarqués quelques siècles plus tôt, principalement les celtes écossais et irlandais venus d'Europe pour faire "fortune", s'installant au milieu d'une nature hostile et d'indigènes qui ne l'étaient pas moins. Ramenant les instruments de leurs contrées d'origine (accordéon pour les Allemands, violon pour les Irlandais et guitare pour les Espagnols dans le Sud-Ouest) ils se trouvèrent confrontés à cet instrument bizarre qu'est le banjo. Mais loin des villes ils fabriquaient eux-même avec les moyens du bord ces banjos aux formes non conventionnelles.
Cela débouchera sur une tradition dite de musique Appalachienne qui donnera bien plus tard naissance dans le XXème siècle au bluegrass.
Certains purent pratiquer leur musique de façon plus professionnelle, amenant comme Bill Monroe la tradition musicale séculaire et la nouveauté à travers le bluegrass. Monroe avait appris le banjo mais jouait plus volontiers et plus souvent de la mandoline avec ses frères Charlie et Birch dans les Monroe Brothers. Une fois la séparation effective avec Charlie qui affectionnait un style plus honky-tonk Texas swing, Bill Monroe crée les Bluegrass Boys et embauchera un banjoiste devenu fameux par la suite, Earl Scruggs.
Mais il y eut avant eux quelques songsters, musiciens itinérants, qui, par la gràce de quelques musicologues, furent sauvés de l'oubli et enregistrés pour l'éternité et pour plusieurs vagues du folk-boom, folk revival dans les années 50-60. Ces songsters, blancs pour la plupart, ont cotoyés et appris au contact des noirs la pratique du banjo.
Dock Boggs, né Moran Lee Boggs en 1898, travaille au fond des mines au contact des noirs et apprend le style plutot blues. Sa timidité lui fera enregistrer très peu de morceaux à la fin des années 20 puis raccrocher son banjo pour reprendre son boulot de mineur jusqu'à sa retraite et sa redécouverte dans les années 60 grâce au folk revival.

Clarence Earl McCurry dit Clarence Ashley commence sa carrière dès l'âge de treize ans, jouant dans des medicine shows ou dans différents groupes dans les années 20 dont les fameux Carolina Tar Heels. Il enregistre sa version de "the House of the Rising Sun", "Greenback Dollar" mais la crise économique de 1929 l'oblige à travailler à la mine d'où il ne sort que pour graver quelques disques tels que "the Cuckoo Bird" (repris par Janis Joplin dans les sixties) ou "the House Carpenter".

Sam et Kirk McGee, Buell Kazee, Doc Watson et Frank Profit ainsi que d'autres songsters font partie de cette branche de banjoistes traditionnels. Frank Profit est l'adaptateur sinon le créateur du morceau "Tom Dooley" qui permettra au Kingston Trio de se faire des couilles en or dans les années 60 (les Compagnons de la Chanson ont egalement enregistré leur version de ce morceau).

Parmi les précurseurs du bluegrass Charlie Poole a une vie rock and roll, meurt en 1931 à l'age de 39 ans d'une crise cardiaque consécutive à un usage immodéré d'alcool mais contribue à installer le banjoiste comme musicien sérieux et partie prenante d'un groupe au contraire des clichés encore tenaces attachés aux minstrels shows et autres medicine shows. Dewitt "Snuffy" Jenkins sera l'idole d'Earl Scuggs et l'initiateur comme Smith Hammett un peu avant lui de la technique du "Picking" à trois doigts (pouce, index et majeur) aidé par des onglets métal puis buis, corne ou plastique.

Mais d'autres, tout en pratiquant avec dextérité leur instrument, resteront dans la tradition minstrel d'amuseur public. Uncle Dave Macon né David Harrison Macon en 1870 est de la partie et profite de l'essor du vaudeville et de la radio en 1920. Il enregistre 3Hillbilly Blues" en 1924 et se retrouve crédité inventeur du terme Hillbilly. Ernest van "Pop" Stoneman enregistre "the Sinking of the Titanic" en 1924 qui se vend à 1 million d'exemplaires. "Grandpa" Jones popularise la caricature du péquenot du Sud, jous avec les Brown Ferry Four (avec Milton Brown et les Delmore Brothers) pour leurs shows radiophoniques.

Le banjo sera bien entendu associé au bluegrass quand Bill Monroe embauche Earl Scruggs dans ses Bluegrass Boys en 1945, groupe que Scruggs quittera en 1948 pour fonder les Foggy Mountains Boys avec son pote guitariste Lester Flatts. Jusqu'à leur séparation en 1969 c'est un gros succès pour eux grace au Newport Folk Festival, au Grand Ole Opry et des émissions de télévision comme "the Beverly Hillbillies show" ou "Saturday Night Barn Dance". Ils jouent sur la bande originale du film "Bonnie and Clyde" d'Arthur Penn.

D'autres banjoistes passés par les Bluegrass Boys de Bill Monroe connaitront un certain succès tels que Tony Ellis ou Donald Wesley Reno dit Dan Reno, connu pour le morceau "Feuding Banjos" enregistré en 1955 avec Arthur "Guitar Boogie" Smith, morcau de bravoure du film "Delivrance" de John Boorman qui les fera batailler en justice avec Warner Bros pour récupérer les droits du morceau et surtout les royalties qui vont avec, la version du film étant néanmoins interprêtée par Eric Weissberg au banjo et Steve Mandell à la guitare.

Le Banjo

Le banjo moderne

Un autre blackface minstrel va se révéler, non seulement d'un point de vue artistique mais également technique, une figure charnière capitale de l'histoire de l'instrument.

Joel Walker Sweeney (1810-1860) né à Appomatox va solidifier le cerclage en bois pour rendre le banjo plus fiable, moins fragile à transporter. Il impose un accord qui est encore majoritairement utilisé de nos jours pour les banjos 5 cordes et standardise la longueur des manches, aidé en cela par le facteur de banjos William Esperance Boucher. Quant à sa soi-disante "invention " de la 5e corde (la chanterelle plus courte) elle est battue en brèche par le "créole bania" de Guyane. Mais Joel Sweeney est un "banjo-king" dont le spectacle blackface connait un énorme succès qui le conduira en Angleterre pour jouer devant la reine Victoria, Sweeney ayant remplacé Bill Whitlock au sein des Virginia Minstrels.

Le banjo connait un tel succès en Angleterre que le Prince de Galles, futur Edouard VII, deviendra un bon pratiquant de l'instrument, instaurant de ce fait une mode durable et une industrie de fabriques de banjos ( John Grey and Sons, Clifford Essex). Malgré son succès public, le banjo reste dans l'inconscient collectif l'instrument favori des noirs alors qu'on dénombre plus de joueurs de fiddle que de banjo. Et donc, l'à-priori défavorable touche à la fois les groupes bien-pensants blancs (chrétiens traditionnalistes, Puritains) et les groupes noirs revendicatifs (Frederic Douglas au XIXème, Langston Hughes au XXème) en ce qui concerne l'amalgame du noir jouant du banjo, instrument du diable pour les uns et cliché raciste pour les autres.

Outre quelques oeuvres qui se veulent classiques mais dédiées au banjo telles que "the banjo, grotesque fantasie" écrite et publiée en 1855 par Louis Moreau Gottschalk, né d'un père anglais émigré en Louisiane où il épouse une créole originaire d'Haiti (si c'est pas du melting-pot, ça!), précédée par Anthony Philip Heinrich en 1820 avec le très laconique "the banjo" ou encore "the banjo: imitation of an inimitable instrument" en 1863 par H. C. Harris, c'est encore, en cette deuxième partie du XIXe, aux minstrels que le banjo doit sa pérennité.

Stephen Collins Foster, auteur de "Swanee River" chanson parmi les dix plus enregistées de tous les temps," Campton Races"(hymne de la campagne électorale d'Abraham Lincoln en 1860) joue un peu de banjo et compose donc pour cet instrument un grand nombre de chansons. "Swanee River" est également un long métrage d'Hollywood sorti en 1939 avec Al Jolson dans le role de E. P. Christy (voir à ménestrel). James Bland, noir blackface et joueur de banjo sera aussi une figue des minstrels shows d'après la guerre de secession.

Mais pour que des artistes puissent se produire sur scène, il leur faut un instrument et donc des fabricants.

William Esperance Boucher, originaire d'Allemagne, est facteur de percussions à Baltimore avant de se lancer dans le perfectionnement des "gourd-banjos"(banjo-calebasse au dos arrondi) en banjos modernes (à dos plat). Boucher, qui malgré toutes ses améliorations techniques ne déposa pas de brevets, sera tout de même jusqu'à la fin de sa vie à la tête d'une entreprise d'instruments de musique prospère et lucrative.

James Ashborn, natif d'Angleterre, adopte une approche plus "industrielle" liée à son savoir-faire en métallurgie; il fabrique des guitares, des banjos en améliorant les matériaux et les systèmes d'assemblage, de tension, installant des frettes sur le manche, chose assez rare pour l'époque.

Il faut également citer les frères Dobson. Henry et Charles sont natifs de New-York et deviennent des virtuoses de l'instrument, délivrant des cours et se lançant dans la fabrication de banjos, imposant l'implantation des frettes et surtout du fond de caisse appelé résonnateur, ce qui permet au son d'être légèrement amplifié et surtout aux femmes de commencer à jouer sans que leur robe se prennent dans les ecrous de tension de la peau.

Samuel Swaim Stewart sera plus un théoricien doublé d'un esprit commercial redoutable, visant à sortir le banjo de son "ghetto" minstrel pour le faire rentrer dans les salons de musique (parlours) de la haute société grâce à ses brochures promotionnelles, ses catalogues, ses méthodes d'utilisation et de construction sans oublier ses notes historiques sur l'instrument ainsi que son journal mensuel puis bimensuel le "S.S.Stewart banjo and guitar journal". Il créera en 1878 sa manufacture de banjos à Philadelphie.

A Boston, l'excellence sera de mise dans la ville fondatrice de l'ordre puritain du nouveau monde où environ une trentaine de facteurs créent des banjos dont certains sont encore utilisés de nos jours.

Elias Howe, l'auteur de la première méthode de banjo, sous-traite la fabrication de ses produits mais sa gamme permet de satisfaire toutes les bourses, des plus démunies aux plus garnies, avec un pic de vente durant les "roaring twenties" (1920-1930) où ses instruments dominent le marché.

Citons également pour Boston Lincoln B. Gatcomb, William A. Cole (élève de Georges C. Dobson) ainsi que John C. Haynes.

Le Banjo

Origines

Parmi toutes les idées préconçues, les images "d'Epinal" concernant les instruments de musique, et en particulier ceux qualifiés de seconde zone, le banjo et l'utilisateur noir au beau milieu des plantations de coton du Sud Etatsunien est certainement l'une des plus communément admises. Toutefois, l'histoire de cet instrument ne peut être dissociée (en tant que conséquence annexe) de ce que l'homme a inventé depuis des temps immémoriaux , à savoir, l'esclavage. On sait que l'instrument ancêtre du banjo traversa l'Océan Atlantique avec les Africains déportés vers le nouveau monde, mais ses origines ont toujours été sujettes à controverses.

Pandura chez les Romains, bandurria chez les Ibères ou même mandore des Français, ce luth rustique à dos plat ou arrondi va se transformer chez nous en mandoline. Mais le rebec des Arabes est également une piste, confortée par les échanges dès le premier millénaire entre la civilisation arabe et les tribus d'Afrique noire. Petit bémol concernant le rebec, dont la caisse de résonance est circulaire, mais dont les cordes sont frottées avec un archet alors que les instruments européens précités, comme d'ailleurs certains instruments d'Egypte ou de Chine, sont joués avec un plectre (l'ancêtre du médiator) ou avec les doigts. (Sans parler du khalam ou de la kora africaine).




Les Africains déportés vont reproduire, avec les moyens à leur disposition, les instruments de musique dont ils se servaient à l'origine en Afrique, mais la christianisation forcée et le contact avec d'autres types d'instruments rapportés par d'autres pseudo esclaves du nouveau monde (Ecossais et Irlandais puis Allemands, sans oublier les Amérindiens) les verront adopter et adapter selon les circonstances, le climat, la facilité de transport, les instruments de musique (mais je m'éloigne un peu du banjo).

La base classique du banjo est une caisse circulaire à fond plat recouverte d'une peau (animale aux origines) et pourvu d'un long manche sans frettes.

Dès 1678, le consul de Martinique interdit les danses et les rassemblements de "Nègres" au son des tambours et des "banza".
Au XVIIIème siècle, la culture du tabac et du coton provoque un afflux massif d'esclaves dans tous les états côtiers du sud est des Etats Unis (qui ne s'appellent pas encore ainsi) et apparaissent des descriptions de l'instrument nommé "créole-bania", "banshaw", "merry-wang", "bangier" ou "banjer".
Le premier joueur que l'Histoire retient s'appelle Billy Banjo!! (1738-1826) esclave affranchi par ses maîtres (du côté de New York) qui fabrique lui-même ses instruments.
Mais ce sont les blancs qui vont populariser l'instrument au travers des blackface minstrels show dans la première moitié du XIXème siècle. Il faut attendre la seconde moitié pour que des artistes noirs puissent être reconnus comme tels (Relisez "Menestrels" sur ce même blog).
Daniel Decatur Emmett apprend le violon (fiddle) enfant et sera plus tard banjoïste avec les Virginia Minstrels; il édite ses chansons sous le titre "Old Dan Emmit's original banjo Melodies" avec entre autres chansons "De old banjo" et "De banjo nigger".
C'est lui, le nordiste né en Ohio, qui écrira l'hymne sudiste "Dixieland" en 1859. Plusieurs origines au terme de Dixieland sont d'ailleurs admises; la première voit un maître Hollandais de Manhattan, Johaan Dixie vendre des esclaves à un planteur de Charleston. Ces esclaves regrettant leur ancien maître veulent retrouver dans le nord les terres de Dixie.
La plus technique vient de deux géomètres anglais de la fin du XVIIème siècle chargés d'établir la frontière Pennsylvanie-Maryland. Charles Mason et Jeremiah Dixon passent à la postérité pour leur Mason-Dixon Line, devenue Dixie-line-land puis contractée en Dixieland.
Plus improbable est l'origine française: "Dix" figurait sur les billets de 10 dollars imprimés en Louisiane.

Les Paul

Pour n'importe quel amoureux de la musique moderne, que ce soit (putain! j'aime de moins en moins mettre des étiquettes sur les styles musicaux) le jazz, le blues, la country, le rock, ce nom représente une guitare électrique.
Mais Lester William Polfus, né le 9 juin 1916 à Waukeska, Wisconsin, aura fait bien plus pour la musique que d'avoir la satisfaction d'avoir son diminutif, Les Paul, gravé sur les Gibson, Fender ou Rigby.

A l'âge de 12 ans (en 1928 si mes calculs sont exacts) il met au point un système d'amplification pour sa guitare, fatigué d'essayer de se faire entendre des clients du fast-food dans lequel il joue. En intégrant un micro de gramophone au corps de sa guitare acoustique et celui d'un téléphone sous ses cordes, il branche le tout sur une poste de radio qui fait office d'amplificateur. Il invente donc la guitare électrique. Non pas qu'il fut tout seul dans cette invention de la guitare amplifiée mais ce sens de la démerde perdurera pour lui faire continuer à bricoler, perfectionner les guitares.
En 1940, il met au point une guitare électrique à corps entier, sans rosace: la Log. Des modèles dérivés suivront au fil des années pour arriver en 1952 à la fameuse Les Paul, fabriquée indifféremment par les marques citées plus haut.
Et non content d'oeuvrer pour l'avancée technologique de l'instrument guitare (c'est beau, on dirait du B.H.L.!), il va aussi préfigurer et tester les techniques d'enregistrement qui révolutionneront la musique: re-recording, magnétophone multipistes.

Mais le Géo Trouvetou de la guitare est également un instrumentiste hors pair. Dans les années 30, son trio est composé de Jim Atkins (le frangin de Chet) et d'Ernie Newton à la basse; lui-même ayant comme pseudo Rhubarb Red. Il jouera avec Lonnie Johnson, Django Reinhardt, Eddie Lang. Dans les années 40, il rallie Hollywood pour participer comme musicien (et comme technicien) aux enregistrements de Bing Crosby (top artiste des années 40 en termes de renommée et de ventes de disques), Nat "King" Cole ou encore les Andrew Sisters. Il se marie avec la chanteuse-guitariste Coleen Summers qui prend alors pour pseudo de scène Mary Ford (elle avait fait partie des orchestres de Gene Autry et Jimmy Wakely). Ils se produiront sur scène et enregistreront de nombreux disques jusqu'à un âge où d'autres passent soit la main soit l'arme à gauche.

Lester William s'est éteint à l'âge de 93 ans (si mes calculs sont exacts) vendredi 14 août 2009.

Et encore merci pour tout mon gars.

Le Phonographe

La mémoire est la faculté de conserver et de se rappeler des sentiments éprouvés, des idées, des connaissances antérieurement acquises.
Dans le cas de la musique, textes et lignes mélodiques ont souvent fait les frais de la mémoire défaillante, du souvenir tronqué.
C'est donc pour remédier à tout ça que l'homme, aidé par les progrès de la technique, s'est évertué à essayer, d'abord en couchant sur le papier (mais tout le monde ne savait pas lire) puis en imaginant des machines capables de reproduire les chansons, ballades et orchestrations.
En 1857, Edward Leon Scott de Martinville, ouvrier typographiste, éditeur, fabrique et fait breveter une machine qui trace les ondulations d'ondes sonores sur un cylindre de carbone qu'on actionne à la main, qu'il appelle le phonautographe. Le dispositif comprend un pavillon relié à un diaphragme qui recueille les vibrations acoustiques transmises à un stylet qui les grave sur une feuille de papier, enduite de noir de fumée, enroulée autour d'un cylindre rotatif.
Cette machine pouvait donc enregistrer mais pas reproduire. Ce n'est que l'année dernière qu'une équipe américaine a réussi à "lire" les cylindres de Martinville et peut proposer une écoute de 11 secondes de "Au clair de la lune" probablement interprété par une femme.

Vingt ans plus tard, Charles Cros émet l'idée, non expérimentée, du phonographe. La même année, Thomas Edison (qui n'en loupe pas une quand il s'agit de brevet) écrit qu'il a découvert les principes de la reproduction mécanique du son. Un brevet est accordé en février 1878 pour sa machine qu'il appelle phonographe. Deux mois plus tard, l'Edition Speaking Phonograph Company est constituée en société commerciale à Norwalk, Connecticut.
De son côté, la Volta Laboratory Association (qui deviendra Columbia) de Graham Bell, Chichester et Charles Tainter expérimente le phonographe appelé graphophone en 1880; le premier cylindre en carton recouvert de cire est fabriquée par Tainter en 1886.
En 1887, les rivaux Bell et Edison fondent respectivement l'American Graphophone Company et l'Edison Phonograph Company, sociétés rachetées l'année suivante par un investisseur en bourse pour créer la North American Phonograph Company, liquidée elle-même en 1896.
Edison qui sort donc son modèle de phonographe à moteur électrique crée sa propre société qui lui appartiendra jusqu'en 1929, la National Phonograph Company, suite à la faillite de NAPC.

Emile Berliner avait déjà fabriqué quelques boites à musique pour enfants quand il met au point un disque plat, technique qu'il nomme phonogravure. Il fonde la National Gramophon Company en 1897 mais fut contraint d'arrêter sa production de disques en 1900 suite à un procès intenté par Edison pour violation du brevet. Ce fut une des raisons qui poussèrent Berliner à la ruine. Il vendit une licence à ce qui allait devenir Victor puis, après un mariage fructueux, RCA-Victor.
Pourtant, c'est bien le support choisi par Berliner qui allait emporter la mise.
Pour le cylindre de cire: l'enregistrement du son se fait sur une spire hélicoïdale parcourant le cylindre sur toute sa longueur, l'enregistrement du sillon est fait en profondeur.
Pour le disque plat qui apparait avec le XXème siècle, du fait de l'enregistrement en profondeur comme sur les cylindres, les galettes sont très fragiles. Le saphir de forme sphérique monte et descend sur le sillon au rythme du son enregistré mais la grande surface de contact provoque un fort bruit de fond.
La technique d'enregistrement est alors modifiée pour aboutir au disque plat à enregistrement latéral (sur les côtés du sillon) dont les normes de fabrication génèrent le 78 tours/minute sans concurrent jusqu'en 1939. La qualité et la quantité étaient néanmoins limitées car on pouvait écouter 5 minutes de musique pour un 30cm sans pouvoir dépasser 5000 hertz.
Plus tard, c'est la qualité du support qui s'améliore avec des résines qui permettent de passer en 33 tours/minute, en 1939, tout en serrant les sillons (microsillons) pour passer de 5 à 26 minutes/

Steel Guitar

Depuis le XVIIIème siècle on jouait de la guitare mais c'est dans la seconde moitié du siècle suivant qu'elle supplanta le violon.
Les raisons de l'essor de la guitare sont autant économiques que religieuses. Une guitare est plus facile à fabriquer et à entretenir qu'un violon; les groupes religieux, noirs en particulier, depuis le début du XVIIIème siècle avaient fait du violon un symbole obscène du péché (A Boston, cité édifiée au milieu du XVIIème siècle par les colons protestants puritains ou Quakers, la danse et la musique -profane- étaient sévèrement réprimées: un texte municipal de 1693 détaille d'ailleurs tous les instruments de musique interdits à Boston en mentionnant leur degré "d'imprégnation démoniaque": guimbarde, violon, etc...). La guitare fut introduite sur les îles Hawaii par des vaqueros mexicains dans les années 1830 mais il faut attendre la fin du siècle pour qu'elle devienne partie intégrante de la musique hawaiienne.
La guitare hawaiienne exigeait l'utilisation d'un objet dur et lisse qu'on faisait glisser sur les cordes pour obtenir un son étiré et aérien, un "super glissando", au lieu des notes précises obtenues avec les doigts. L'histoire retient que c'est Joseph Kekuku, élève de l'école de garçons de Kamehameha, qui découvrit l'effet que faisait un peigne ou un couteau appliqué sur les cordes, se servant ensuite d'une barre de métal pour les renforcer.

Le style gagne les Etats Unis dans les années 1890 (voir l'article "Ukulele"). Dans les années 1920, cette technique va prendre deux appellations distinctes selon le style de musique pratiqué: slide pour les musiciens de blues et steel guitar pour les musiciens country. Le premier bluesman à avoir enregistré dans un style dérivé du style hawaiien est Blind Lemon Jefferson (1897-1930) sur "Jack' o'Diamond blues" en 1926. A l'instar de Jefferson, des guitaristes de blues du sud ajustèrent des tubes de métal ou des goulots de bouteilles (bottleneck) à leurs doigts.
Les Hawaiiens avaient l'habitude de jouer la guitare posée à plat sur les genoux mais de très rares bluesmen utilisèrent cette pose, Bukka White (1909-1977) étant l'un deux.
Les bluesmen slide guitaristes les plus connus de cette époque sont Scapper Blackwell et Casey Bill Weldon. Plus tard, Elmore James et d'autres feront perdurer ce style qui reste encore un signe de reconnaissance du blues autant rural qu'urbain.
La même année que Blind Lemon Jefferson, Frank Hutchison, un blanc né en Virginie, devint le premier artiste country à enregistrer dans ce style. Cette session à New York pour le compte du label Okeh en octobre 1926 donna "Worried blues" et "Train that carried the girl from town".

Au milieu des années 20, Ed et Rudy Dopera mettent au point une guitare à corps métallique, la National, et en 1929 fabriquent leur première Dobro en bois et métal (Dobro pour Dopera Brothers). Ces guitares étaient fabriquées avec des résonateurs métalliques (3 pour la National, 1 pour la Dobro) afin d'obtenir une résonnance naturelle.
La première steel guitar électrique dont on jouait à plat sur les genoux fut fabriquée par Rickenbaker en 1931. Un des premiers à en jouer, mais de manière classique (pas sur les genoux) fut Bob Dunn. Ayant écumé le pays avec des formations de vaudeville depuis 1927, il rejoint les Musical Brownies de Milton Brown fin 1934. Bob Dunn, après la mort de Brown en 1936, forme son propre groupe, les Vagabonds", et joue également avec l'orchestre de Cliff Bruner, les Texas Wanderers. Il prend sa retraite dans les années 40, donne des cours de guitare et gère un magasin de disques à Houston. Diplômé du conservatoire de musique de Houston, Dunn est considéré par ses pairs comme le maître de la steel guitar. On raconte que pour les dates de concert avec Bob Dunn, les organisateurs prévoyaient un steel guitariste de réserve, au où Dunn, grand consommateur d'alcool, tomberait de sa chaise pendant le set.
Le plus célèbre steel guitariste du western swing est Leon Mc Auliffe. Il expérimente la guitare électrique en essayant une guitare que Bob Dunn lui prête. Mc Auliffe intègre le groupe de Bob Wills en 1935 à l'âge de 18 ans et y restera jusqu'en 1942. Après la guerre, il enregistre avec son propre groupe puis continue en solo jusque dans les années 70.

La transformation de la steel guitar amplifiée a lieu au milieu des années 40 quand John Moore, mécanicien et guitariste amateur, collabore avec la marque Gibson pour fabriquer la première pedal steel guitar, la Gibson Electraharp. Posée sur 4 pieds, elle pouvait avoir jusqu'à 4 manches de 8 cordes. Une mécanique complexe de câbles, poulies et axes métalliques reliés à des pédales qu'on actionne avec le pied, voire, le genou, permet de produire différentes sonorités et accords d'une nouveauté inouïe. Un des plus célèbres pedal steel guitaristes est Speedy West (Wesley Webb West), né en 1924 à Sprinfield, Missouri. Il commence à jouer sur une National en 1937 et, onze ans plus tard, achète sa première pedal steel guitar.
Il travaille alors avec Spade Cooley, Hank Penny, étant l'un des musiciens de studio les plus réputés de Los Angeles. Speedy West enregistrera plus de 6000 disques avec presque 200 chanteurs différents, country ou pop, indifféremment.
Parmi les pedal steel guitaristes qui vont forger le Nashville Sound qu'on écoute encore aujourd'hui, citons Webb Pierce et Bud Isaacs.

Sources: "Country" et "Blackface" de Nick Tosches, éditions Allia.

UKULELE

Le mot "Ukulele" signifie "puce sauteuse" en hawaiien.
L'instrument du même nom vient également de Hawaii mais son origine est sujette à plusieurs histoires.
La plus connue rend le portugais Joao Fernandes responsable de son apparition. Il arrive à Honolulu en août 1879 à bord du "Ravenscrag" en compagnie de 400 autres immigrants portugais, après un voyage de 4 mois en provenance de Madère, pour récolter la canne à sucre. Dès son arrivée, pour fêter leur voyage sans encombre, il joue des airs populaires sur un instrument appelé "braguinha". Les autochtones, impressionnés par sa dextérité, rebaptisent l'instrument "ukulele".
C'est également un autre joueur de "braguinha" que l'histoire retient pour origine de l'ukulele: l'officier de l'armée britannique Edward Purvis, alors détaché à la cour du roi Kalakava.
D'autres font remonter son origine à un instrument hawaiien à trois cordes appelé "ukeke lele" dont l'appellation aurait dérivé en "ukulele" au fil des années.
C'est néanmoins Joao Fernandes qui, invité à la cour du roi David Kalakava, animait les fêtes et les réceptions, convertit le roi qui en apprit les rudiments auprès d'un autre portugais arrivé sur le même bateau que Fernandes, Augusto Dias. Les autres membres de la famille royale se mirent également à pratiquer l'instrument.
Augusto Dias se verra autorisé à apposer le sceau royal sur les instruments qu'il fabriquait dans sa boutique. Il ne fut pas le seul à fabriquer des instruments car on vit d'autres immigrants lui emboiter le pas et ouvrir des petits ateliers de fabrication d'ukulele.

L'instrument sera découvert par les continentaux américains à l'occasion de l'exposition internationale Panama-Pacific de 1915 où se produisit George E.K. Awai and his Royal Hawaiian Quartet avec Jonah Kumalac à l'ukulele. Le groupe fit également découvrir la lap steel guitar. Les fabricants américains Regal, Harmony et Martin ajoutèrent l'ukulele à leur catalogue d'instruments.
La guitare fut amenée à Hawaii dans les années 1830 par les "vaqueros" mexicains également enrôlés pour travailler dans les champs. Les musiciens locaux adaptèrent et développèrent leur propre style de jeu en posant la guitare sur leurs cuisses et en distordant les cordes.
C'est Frank Ferera, descendant portugais, né à Honolulu en 1885 qui introduit la steel guitar aux USA. Egalement nommé Palakiko Ferreira, il arrive aux States au début du XXème siècle et se produit dans des spectacles de vaudeville. Ses premiers enregistrements, pour Edison, sont crédités du nom Palakiko's Hawaiian Orchestra.

Après ces pionniers, d'autres viendront, tel Benjamin Keakahiawa Nawahi, multi-instrumentiste baptisé "The King of the Ukulele", qui enregistrera, après être passé par le vaudeville, avec les Hawaiian Beach Combers ou avec son propre groupe King Nawahi's Hawaiians. Son groupe suivant, après le déclin du vaudeville, verra débuter un chanteur appelé Len Slye, qui par la suite deviendra Roy Rogers. Sol Hoopi, partenaire occasionnel de Nawahi, émigrera aux States en 1919, formant plusieurs groupes pendant la décennie suivante, leur line-up incluant souvent Dick et Lani Mc Intire. Lani Mc Intire jouait de la trompette étant jeune et s'engage dans la Navy. Il apprend la guitare puis trouve des engagements avec Sol Hoopi et son Waikiki Hawaiian Trio. Il enregistre de nombreux disques dans les années 20 avec son propre groupe, participe à des enregistrements de Jimmie Rodgers en 1930. Lani Mc Intire joue aux côtés de Bing Crosby pour les morceaux "Sweet Leilani" et "Blue Hawaii" qui figurent dans le film "Waikiki Wedding", gagnant un Oscar tout en vendant plusieurs millions de disques.
"Blue Hawaii" sera repris un quart de siècle plus tard par un certain Elvis Presley dans le film du même nom.

La popularité outre- atlantique de l'ukulele fut due en majeure partie à des artistes de vaudeville tels que Cliff "Ukulele Ike" Edwards, Roy Smeck, Johnny "Ukulele Ace" Marvin ou George Hoy Booth, un anglais né dans le Lancashire, plus connu sous le nom de George Formby.
Cliff Edwards atteint la postérité non pas grâce à sa maîtrise de l'ukulele mais grâce à son interprétation de Jiminy Cricket dans le film animé Pinocchio de Walt Disney. On le verra un peut plus tard dans un rôle secondaire du film "Gone with the wind" (Autant en emporte le vent).
Louis Armstrong enregistra plusieurs morceaux "hawaiiens", à l'instar d'autres jazzmen dans les années 20-30.

Source: Adam Komorovski : Notes de pochette du coffret 4 cd "With my little ukulele in my hand" - Proper Records (traduit et adapté par Dusport)